Subjetivo Contemporáneo
Galería Fractal Dragon, Casa Cultural Tupac Inca Yupanqui, Cusco
Septiembre, 2009
Yaneth Nuñez
Yaneth Nuñez, Subjetivo Contemporáneo, femenina abstracción.
Alfredo Velarde
Podríamos definir al Arte Abstracto como la corriente o estilo que hace énfasis en las consideraciones de forma, estructura y cromatismo en una composición u obra artística, la que a su vez, está realzada por el valor y la fuerza que la expresividad le confiere. Surgió hacia 1910 y es considerada una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX, no imita modelos o representaciones de la naturaleza, crea un lenguaje autónomo y deja de lado la idea de la representación figurativa, al considerarla injustificada dentro del pensamiento de que la abstracción asume sus propios significados; estas obras existen con independencia visual frente al mundo «real», según esta acepción, una obra abstracta no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que plantea una nueva realidad distinta a la natural. Algunos artistas abstractos de la década de 1920, argumentaban que el arte era esencialmente una actividad espiritual; para crear el lugar del individuo en el mundo, no para organizar la vida en un sentido materialista y práctico.
Vasili Kandinski es quizá el pintor con el que se puede sentar un referente de inicio de la pintura abstracta, ciertamente antes de él, existieron algunos ensayos en esta línea; pero es su obra, la que da comienzo a la llamada Abstracción Lírica, un tipo de pintura muy sentimental y con representaciones evidentes de los deseos y modos de pensar de los pintores europeos; que empezaron a experimentar con ella a partir de 1912. Todo ello en busca de un llamado Arte Puro, que perseguía la representación de nuevas realidades y/o estructuras, creadas íntegramente por el artista; sin intromisión de algún referente visual real o existente en la naturaleza.
Subjetivo Contemporáneo, es la exposición individual que presenta Yaneth Nuñez en la Galería de Arte Fractal Dragon de la nueva Casa Cultural Tupac Inca Yupanqui; Nuñez muestra una serie de abstractos de gran formato, una instalación y algunos collages; parte del punto y la línea como elementos primordiales de composición en el espacio, con ellos desarrolla un lenguaje que no es nuevo y que existe potencialmente desde que los primeros hombres plasmaron en las pinturas rupestres, su mundo; pero los reordena y los transforma en una propuesta personal que intenta buscar ese simbolismo de la forma y del color que hay en cada pequeña cosa, invitándonos a construir y reconstruir a partir de ellos, nuevos universos donde el juego de la significancia y la metáfora son uno.
Fragmentos, Yaneth Nuñez
Nuñez responde sus propios cuestionamientos mediante sus lienzos e indudablemente deja en el aire color magenta y arena, algunas flaquezas propias de aquellos artistas que se atreven a experimentar y que van en contra de los juicios establecidos. Los tonos grises, azules y verdes gigantes, asumen importancia en un lenguaje que muchas veces es solo fácil de entender, cuando se está en frente de las telas, cerrando los ojos y esforzándose por escuchar el calmo sonido del color.
Datos:
Subjetivo Contemporáneo va hasta el 26 de Octubre en el segundo piso de la Casa Cultural Tupac Inca Yupanqui, Galería de Arte Fractal Dragon (Calle Arequipa 159, Cusco). La entrada es libre.
Garcés, 2020, Morfosis Segura
Galería del Convento de Santo Domingo, Qoricancha, Cusco
Agosto, 2009
2020, Morfosis Segura, Edward Garcés
…Sus personajes, fríos, solos, brutalmente melancólicos con expresiones de espanto y felicidad ambigua, coexisten en el imaginario de ese mundo paralelo e irreal que él ha creado para dar forma a esa suerte de cosmos fantasmagórico de un mundo destruido y aniquilado por el futuro anti conservacionista que emerge actualmente.
Considero que hay dos obras bastante importantes en la muestra de Garcés, la primera: Un héroe caído, (2009), la que posiblemente es la que mejor encierra el concepto de la muestra por su profunda carga dramática y en la que la relación entre el discurso del reciclaje, el respeto medio ambiental -tan de moda en estos tiempos- y la idea del personaje reciclador preso de un mundo desaparecido a raíz de una posible catástrofe de dimensiones universales en el año 2012, hacen de la pieza un recordatorio de la fragilidad del hombre frente a la naturaleza y a su autodestrucción, la segunda: No creemos, Creamos, Somos inocentes, (2008) donde Garcés hace uso de materiales externos como cables eléctricos y sistemas de computadoras, para dar forma a una especie de hombre futurista, el mismo que, producto de su evolución ha modificado considerablemente su fisonomía, dejando de lado funciones y órganos humanos para dar paso a un enmarañado de cables que avizoran el medio en el que coexiste ahora…
Detalle de la obra de Garcés
El trabajo de Garcés revela fuerte influencia de lo que se conoce como el steampunk o neo-victorianismo, subgénero de ilusión y ciencia ficción aplicado principalmente a la literatura, que enfatiza la idea de un mundo donde la energía a vapor es todavía usada, a menudo se asocia a este género con el cyberpunk, al margen de su consideración como subgénero literario de ciencia ficción, el steampunk ha alcanzado a las artes plásticas, videojuegos, series televisivas y al cine, por ejemplo en películas como: Wild Wild West o Regreso al Futuro. Posteriormente se introdujeron nuevos elementos como: fantásticas máquinas de vapor, complejos trabajos de artesanía mecánica, androides propulsados de las más diversas formas y dotados de inteligencia; convirtiéndolo en un género mágico.
Por otro lado, recibe la influencia del «Arte Ambiental» o «Environmental Art» el término es usado para definir al arte que trata temas ecológicos, dentro de este concepto, podríamos definir dos espacios de acción, el primero que hace énfasis en:
• La toma de conciencia acerca de la fragilidad de la naturaleza mediante la pintura, fotografía, escultura, acciones, performances, intervenciones en espacios públicos y todo soporte y/o medio que cumpla tal fin.
• La investigación de fenómenos naturales, a menudo convirtiéndose en un arte multidisciplinario.
• El uso de materiales naturales añadidos, como ramas, hojas secas, cortezas, hierba y materiales de desecho natural.
• Evitar la degradación medioambiental, lo que abarca las llamadas «Obras Verdes» hechas con materiales biodegradables y/o reciclados así como la «Eco Escultura», que está sensiblemente integrada en el hábitat natural donde se desarrolla.
El segundo hace referencia a un arte específico de un lugar o a una escultura medioambiental, que también puede relacionarse con otros aspectos del «medio ambiente», como son el contexto formal, político, histórico o social.
Casi cinco meses después, la noche del 07 de Agosto, Garcés obtenía el primer premio en el Concurso de Artes Visuales: Predicarte 2009, que organiza anualmente el Convento de Santo Domingo, Qoricancha en Cusco; la obra con la que ganó titula: 2020 – Morfosis segura, (2009), en ella se recrea un mundo ilusorio donde los hombres del futuro trabajan -en un artefacto estilo steampunk- para mejorar su raza, atrás quedaron esas falsas utopías de salvar el planeta y de la no agresión hacia la naturaleza, el mundo del año 2020 es un espacio absurdo, sin sentido y desolado, donde los hombres con aspecto de maquinas, prisioneros de un cataclismo post moderno luchan para aminorar su caótica situación y lograr una evolución en equilibrio con la naturaleza y el entorno en el que habitan.
Datos:
La muestra de los seleccionados y premiados en el Concurso de Artes Visuales: Predicarte 2009, va hasta el 31 de Agosto en la sala de exposiciones temporales del Convento de Santo Domingo, Qoricancha, Cusco.
Fotografías:
Alfredo Velarde:
www.alfredovelarde.wordpress.com
www.insinuacionesvisuales.wordpress.com
Edward Garcés:
Inuma, visiones de un mundo mágico.
Galería del Convento de Santo Domingo, Qoricancha, Cusco
Agosto, 2009
Hijos del Sol, Elmer Inuma
Inuma, visiones de un mundo mágico
Alfredo Velarde
Para nosotros las estrellas dan vueltas alrededor del sol. Para los Shipibo las estrellas pasan por el rió cielo en sus canoas.
Un joven ataviado con una vestimenta tradicional de la selva, con numerosos adornos e iconografía típica, esta parado en frente de no más de ocho personas, en la mano lleva un vaso de vino tinto y a duras penas se lo distingue en medio de ese pequeño tumulto que lo abruma con su mirada curiosa y las preguntas en la lengua listas para salir. Detrás, una serie de pequeños cuadros de exquisito colorido, el diminuto hombre de la vestimenta selvática se esfuerza por dar a conocer su obra, responde preguntas y absuelve toda clase de dudas de los asombrados asistentes a la cita, mi curiosidad crece cuando empieza a hablar de los mitos y leyendas de su pueblo, él es Elmer Inuma, Artista Shipibo, los Shipibo son indígenas sudamericanos pertenecientes a una tribu del pueblo Pano, forman parte de una importante y homogénea familia nativa, asentada en las zonas ribereñas del Perú y Brasil, al sur del Amazonas, y en las cuencas del río Ucayali, desde el Huallaga por el oeste hasta el Yurúa por el este. Practican la agricultura y la pesca, algunos de ellos son polígamos y, otrora, fueron caníbales; tienen gran habilidad en la fabricación de canoas, arte textil y cerámica.
Elmer Inuma, Arte Shipibo, Galería del Convento de Santo Domingo, Qoricancha, Cusco.
Dos días después me encuentro en la cúpula de la Iglesia del Convento de Santo Domingo , Qoricancha, antiguo Templo del Sol, epicentro del Imperio Inca en Cusco; en frente tengo una de las situaciones más extrañas que hubiera imaginado para el contexto del lugar, una <<cabeza de caimán>> decorada con símbolos e iconos que hablan de los ríos de la selva, Elmer está pintando, ya no está con la vestimenta shipiba, más bien lleva un gorro de fieltro y un polo que dice <<Perú>>. Me invita a tomar asiento sobre esos muros y piedras tan antiguos, pero no tanto como el conocimiento y la historia de su pueblo, comienza a hablar de la ayahuasca, infusión y/o brebaje de los pueblos nativos amazónicos, usado para rituales médicos y/o religiosos así como en la medicina tradicional, mediante ella se logra la unión entre las diversas culturas que tienen en común el consumo individual o grupal de esta, con diversos fines, que van desde lo curativo, espiritual a la revelación personal. Me hace pensar que esos mundos mágicos, irreales y multicolores de sus pinturas, están presentes en su mente a cada instante. Él ve lo que pinta mucho antes de materializar la obra en el lienzo, su trabajo habla de la flora y fauna de la selva, de los seres imaginarios que inventan y viven hazañas asombrosas, que guardan celosamente tesoros bajo el agua, criaturas que cuidan con voracidad asesina los mitos y las leyendas de un pueblo que por encima de la desdicha que le ocasiona el mundo <<real>>, concibe a mujeres y hombres que a través de una basta gama de conocimiento, materiales, formas, líneas y tonalidades expresan sus sentimientos y para muchos su incomprendida relación con la naturaleza, vinculo que es sincero y puro, sin ataduras y clichés de moda, la línea que une a Inuma con la selva, va más allá de los estereotipos del virtuoso freak.
Detalle de la obra de Inuma
Inuma presenta en la Galería del Convento de Santo Domingo, Qoricancha, una serie de acrílicos de pequeño formato, de tendencia naïf, el concepto naïf, del francés naïf o naïve, apunta no solo a una ingenuidad que, ceñida al arte, se precisa en una delicada falta de conocimientos técnicos y teóricos: en algunos casos existe una ausencia de la perspectiva, así como un cerrado conocimiento de las proporciones y un elaborado y meticuloso trabajo cromático. En tal sentido la noción de lo naïf no solo se ajusta a lo ingenuo y la ingenuidad sino también a una grata simplicidad que, en el arte, deviene en evitar artificios o esnobismos vanos. Su trabajo presenta una estructuración visual de los mitos, deidades, leyendas y la cotidianidad de la selva, el ritmo que adquiere su obra es simple y de lectura sencilla, pero no por eso poco profunda.
Sus cuadros representan mundos donde el rito del ayahuasca se hace un solo elemento con el hombre y nos enseña una visión distinta de ese espacio; considero que la obra más importante de la exhibición es: Hijos del Sol, donde nos habla de una leyenda ancestral por la que los Shipibo explican su origen, en ella se cuenta que Dios había creado al Sol y a la Luna como dos astros divinos que no debían juntarse jamás, esto no sucedió, y ellos se unieron y fruto de ese acercamiento la Luna, atravesada en el vientre por un rayo en una noche de tormenta, dio al mundo siete pequeños de apareciera humana. El menor de ellos con muchas más habilidades que los otros, construyó una escalera de flechas que arrojada la infinito, por la que debían volver junto a sus padres, en ese transe uno de ellos es mordido por un caimán al intentar cruzar el rió, el Sol se compadeció de sus hijos y los convirtió en una constelación que los Shipibo llaman huishmabu. La disposición y la altura de estas estrellas son interpretadas por ellos como el avance de las estaciones y rigen gran parte de su vida.
Dejé a Inuma, con la certeza de que los calificativos de artista naïf, y todo lo que ello acarrea, se desvanecieron entre los muros y los recuerdos del viejo Qoricancha, su trabajo aporta innumerables aspectos técnicos y teóricos, además de un conocimiento y un concepto estructurado en su relación con la naturaleza, la misma que no es falsa y determina su calidad de creador.
Datos:
La Exhibición va hasta el 31 de Agosto en la Galería del Convento de Santo Domingo, Qoricancha, Cusco.
El Viaje de los Colores, De los Alpes a los Andes
MAC Cusco
Julio, 2009
Chantal Moret
La integración con el tema andino y la diversidad cultural, son aparentemente los criterios curatoriales que se tuvieron en cuenta para reunir a este grupo de creadores, la muestra adolece en cierto modo de un concepto profundo en la reunión y conceptualización de la plástica, más allá del entusiasmo por reunir a este colectivo. Quizá este acercamiento data indirectamente de mucho tiempo atrás, cuando el arte precolombino, representado en mantos, cerámicas y piezas de orfebrería andina, influyó las creaciones de artistas europeos como Paul Klee y Gustav Klimt; el concepto andino, agrupa al basto territorio que ocuparon las civilizaciones anteriores al gran imperio Inca.
La exhibición asume un carácter casi hegemónico en lo que respecta al tratamiento de lo geométrico como forma y distribución de elementos y lo estructural, logrando composiciones estudiadas y con cierto rigor académico; destaca el trabajo del peruano Francisco Basurco, con un grupo de obras hechas con yute, montadas en bastidores sobre tela y pintadas con finos detalles que rememoran la calidad de los antiguos textiles paracas, en donde le uso de colores cálidos dentro de una paleta de tierras, confirman su condición de artista de temática precolombina, las formas geométricas dispuestas en espacios rectangulares hacen de los cuadros de Basurco, zonas donde lo lúdico y el imaginario colectivo andino expresan su fuerza a través de los hilos que teje y pega en una suerte de entretejido contemporáneo.
Nebiur Arellano, artista peruana presenta una serie de obras en seda, montadas sobre una superficie tridimensional en la que se ha dispuesto una placa de aluminio en la parte posterior, logrando que, a través de la trama natural de la seda se perciba un juego visual tridimensional, todo ello junto a una gran cromatismo de colores metálicos y formas bastante bien ordenadas en lo que podríamos llamar una composición estrictamente geométrica, áreas que forman diminutas celdas de color en los que se ordenan espacios que fácilmente podrían funcionar como entes individuales dentro de una gran todo.
Dominique Gonseth, Mino, es una de las artistas suizas que destacan notoriamente en la muestra, ella hace gala de una serie de óleos a manera de marinas de mediano formato, en los que la mancha nerviosa y vertiginosa de la espátula y los colores grises nos transportan a un paisaje natural de una posible imagen suiza, fría, desolada y silenciosa, en contra posición a los ricos colores y representaciones de la cultura andina.
Es substancial destacar la figura de los cusqueños: Martine Rafael, curadora y promotora cultural de El Viaje de los Colores, quien reunió a este grupo y dio forma a este proyecto internacional, Miguel Camargo, Orlando Espinoza y Grisa Camargo, ella con un lenguaje muy propio y un tratamiento de las texturas envidiable, además del uso de recursos y materiales poco convencionales como la paja o ichu andino y el barro, integrados armoniosamente al espacio bidimensional del lienzo.
La exposición será mostrada en Perú en el Museo Pedro de Osma (Lima), MAC Cusco, MAC Arequipa, Nueva Biblioteca Nacional del Perú (Lima) y en Suiza en el Palacio de la Naciones Unidas ONU, Le Manoir de Cologny y la Galería d’Arfi, y podrá ser visitada en Cusco hasta el 01 de Agosto en los horarios del MAC Cusco.
Alfredo Velarde.
Francisco Basurco
Nebiur Arellano
Mino
Lateral, Garcés un reciclador de Arte
Alianza Francesa de Cusco
Marzo, 2009
La segunda: No creemos, Creamos, Somos inocentes, 2008 donde Garcés hace uso de materiales externos como cables eléctricos y sistemas de computadoras, para dar forma a una especie de hombre futurista, el mismo que, producto de su evolución ha modificado considerablemente su fisionomía, dejando de lado funciones y órganos humanos para dar paso a un enmarañado de cables que avizoran el medio en el que coexiste ahora.
Sus personajes, fríos, solos, brutalmente melancólicos con expresiones de espanto y felicidad ambigua, coexisten en el imaginario de ese mundo paralelo e irreal que él ha creado para dar forma a esa suerte de cosmos fantasmagórico de un mundo destruido y aniquilado por el futuro anti conservacionista que emerge actualmente. Idealiza los personajes, los mismos que él describe como seres biónicos humanizados y post modernos, convirtiéndolos en portavoces de un discurso ecologista y amigable con el medio ambiente.
La muestra va hasta el 28 de Marzo en la Sala Blanco y Negro de la Alianza Francesa de Cusco.
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